Analyse av de åtte vakreste kjærlighetssangene av Freddie Mercury

Av Nicolas | 6. februar 2024

Freddie Mercury er utvilsomt sangeren som har formidlet kjærlighet med størst følsomhet, lidenskap og mot. Hans stemme, som klarer å fange de fineste nyansene av menneskelige følelser, strekker seg over tid og har etterlatt et uforglemmelig merke i musikkens historie. Kjærlighetssangene i hans repertoar utmerker seg med sin lyriske intensitet og genuine inderlighet, og gjør Mercury ikke bare til et rockeikon, men også en poet av den moderne kjærligheten. Det 18. århundret hadde Mozart, det 20. århundret hadde Freddie Mercury.

Vi oppfordrer deg til å utforske de skjulte historiene bak kjærlighetssanger du kanskje ikke kjenner. Hver sang, et kunstverk i seg selv, avdekker konturene av en kjærlighet som er både glødende og kompleks, og reflekterer artistens egne erfaringer med en ufiltrert ærlighet. Fra "Love of My Life" til det ekstraordinære "It’s A Hard Life", og inkludert mindre kjente skatter, vil vi forklare hvordan Freddie Mercury klarte å skape fengslende melodier og tekster som vil røre ved hjertene til både kvinner og menn i mange århundrer fremover.

Hver sang vi presenterer her er et vindu mot den evige jakten på kjærlighet, i all sin prakt, dybde og finesse. Mer enn det, disse sporene er virkelige taler og prekener, en rik og uuttømmelig arv etterlatt av noen som var mer enn en sanger. Hele bøker ville ikke strekke til for å dekode alle budskapene og hemmelighetene gjemt i sangene hans.

Vi anbefaler deg å slå av lysene, oppleve disse låtene på en stor skjerm, slapp av, ta deg god tid og kanskje nyte reisen med noen glass av en god vin. Jo mer du lytter til hver av disse sangene, desto mer vil du reise og oppdage nyanser og nyanser som vil berøre deg. Du vil bli forbløffet over å oppdage hva Freddie Mercury prøvde å fortelle oss...

1. It's A Hard Life

Ifølge Brian May, gitaristen i Queen: "'It's a Hard Life' er en av de fineste sangene Freddie noensinne skrev. Den kommer rett fra hjertet, og han åpnet seg virkelig opp under skapingen. (...) Freddie hadde evnen til å ta sin egen smerte og forvandle den til noe universelt."

En ting er sikkert, dette sporet er blant de mest kraftfulle, symbolske og rene som noen gang er skrevet om kjærlighet. Sangen bærer et dypt personlig budskap for artisten, som avslører seg selv som aldri før, og lar følelsene sine strømme fritt.

Melodien i sangen er trollbindende, med en følelse av melankoli som perfekt fanger Mercurys smerte og kamp da han skrev den.

Sangen åpner med en melodisk introduksjon som minner om operastil, et kjennetegn ved Queen. Denne innledningen skaper umiddelbart en dramatisk atmosfære og forbereder lytteren på den kommende emosjonelle reisen. Instrumenteringen, inspirert av klassisk musikk, er nøye utvalgt for å gi sporet den storheten og dramatikken som er typisk for Queens musikk.

På dette sporet utmerker Freddie Mercurys stemme seg med sin evne til å dekke et bredt oktavomfang, og blander kraft med følelse. Vokalprestasjonen beveger seg mellom øyeblikk av spleenaktig mykhet og kraftigere uttrykk, som speiler følelsenes svingninger i kjærligheten. Denne dynamikken forsterkes av tempoendringer og crescendoer som leder til sangens høydepunkter.

Teksten beskriver hvordan sangerens kjærlighetshistorie har tatt slutt, og etterlater ham i en kamp for å komme over tapet. Han erkjenner at han selv er ansvarlig for sin situasjon og innser at smerten han føler er en del av livet som kan skje med hvem som helst, og som faktisk skjer med alle.

Sangens åpningslinje setter umiddelbart tonen for temaet: "Jeg ønsker ikke min frihet. Det er ingen grunn til å leve med et knust hjerte." Denne linjen formidler den intense emosjonelle tilknytningen og avhengigheten som kan oppstå i et forhold. Den antyder at tiltrekningen til kjærligheten noen ganger kan føre til at vi frivillig gir fra oss vår individuelle frihet til fordel for lykken og oppfyllelsen som kjærligheten lover. Dette temaet om offer av personlig frihet for kjærligheten utforskes ytterligere i dybden.

En annen meningsfull setning er: "Det er en lang og vanskelig kamp å lære å ta vare på hverandre, å stole på hverandre helt fra starten, når man er forelsket." Denne setningen belyser den vedvarende innsatsen og forpliktelsen som er nødvendig for å opprettholde et sunt og blomstrende forhold. Den understreker at kjærlighet krever kontinuerlig arbeid og engasjement, og fremhever utfordringene som er iboendet i et forhold man likevel ønsker å se som ideelt.

Det er opp til deg å tolke, basert på din egen erfaring og sensitivitet, blikkene, gestene, ordene og de vokale nyansene som utfolder seg gjennom denne mesterlige tolkningen av verket, men vi tilbyr deg noen nøkler for å fordype din forståelse og verdsettelse av det Mercury ønsker å formidle.

0'12'': Det at hjertet hans er knust, uttrykkes ikke med en trist stemme, men formidles med overraskende mildhet og beroligelse.

0'31'': Fra en opphøyet stilling, slik en profet ville gjort, senker han hodet mot sine undersåtter for å formidle at å få hjertet knust kan skje med alle. Med dem, med oss, med dere.

0'36'': Hodet hevet mot himmelen når man vinner, hodet senket mot jorden når man taper.

0'42'': Med et bestemt og kraftfullt blikk mot oss når han forteller at han har forelsket seg. Det er et rop fra hjertet. I det øyeblikket, opplever han på nytt kraften i kjærligheten han følte.

0'47'': Når han forteller at han er knust over bruddet, støtter han seg til en søyle for ikke å falle og, til tross for smerten, forblir stående.

0'51'': Når han vises på toppen av trappene, hjelper tre av hans undersåtter en fjerde, som hadde kollapset i trappene, til å reise seg.

1'00'': Han går ned trappene i det han møter Brian May, kledd i svart for å symbolisere fortvilelse og smerte, som går opp trappene med et gitarfutteral formet som en kiste. Er døden av forholdet sterkere enn alt annet?

1'12'': Tre kvinner eskorterer en mann som bærer en hjortemaske. Hjorten er et totemdyr forbundet med spiritualitet, regenerering og gjenfødelse (den feller geviret sitt hvert år). En hjortemaske kan bæres som en beskyttelses- eller helbredelsestalisman. Den symboliserer en dyp forbindelse med naturen og livssyklusen. En slik maske representerer også styrke, mot og maskulin stolthet. I denne sekvensen ser mannen som bærer masken ut til å være svak og skamfull, og trenger støtte. Og det er kvinner som gir ham denne støtten.

1'22'': Freddie Mercury dekker ørene som om han foretrekker å ikke møte virkeligheten av skaden forårsaket av bruddet, og lure på hvordan han skal lime sammen bitene av alle de knuste delene av kroppen og sjelen sin. Deretter faller armene hans, livløse, som om han ikke lenger har noen styrke igjen.

1'30'': Når han sier han prøver å holde tilbake tårene, samler han hendene som om han prøver å holde all sin smerte inne i dem, uten å bli overveldet. Det er et symbol på motstandsdyktighet.

1'41'': "Yeah"-et han uttaler i respons til sitt speilbilde om smerten følt fra bruddet, har en dybde og oppriktighet som er ubeskrivelig. Vi anbefaler å se denne sekvensen flere ganger.

1'45'': Overfor smerten som vekkes ytterligere i ham når han sier at livet er hardt når man plutselig finner seg alene, forvandler han seg til en kriger, gjør opprør, og slår neven i bordet med meningsfylte bevegelser. Ansiktsuttrykkene hans formidler alle nyanser av denne smerten. Rundt bordet hvor han sitter, ligger en eldre kvinne bevisstløs, med et eple i munnen. Dette eplet kan minne om det forgiftede eplet i eventyret om Snøhvit, der det symboliserer bedrag og ondskap, men også dyp søvn (som kan tolkes som en flukt eller unnvikelse fra virkeligheten). Eplet kan også bety farer eller fristelser som fører til selvdestruksjon eller illusjoner i kjærlighetsforhold. I mange kulturer er eplet også knyttet til fristelse og den opprinnelige synd, som representerer de vanskelige valgene og konsekvensene av våre handlinger.

1'49'': Med pragmatisme innser han plutselig at bruddet er endelig. Han løfter blikket og ber himmelen om å sende ham et tegn som vil hjelpe ham å reise seg og bygge opp livet sitt på nytt.

1'53'': Han reiser seg, med enorm vilje og energi, for å be himmelen sende ham kjærlighet, tilby ham en ny historie som får ham til å føle seg levende. Rett over ham henger et spedbarn som representerer en engel, et himmelsk øre som kanskje kan høre ham.

1’57’’: Hans undersåtter applauderer hans motstandsdyktighet, kampvilje og optimisme. Men to av dem, selv mens de applauderer, stikker tungen ut, som om de er skeptiske og tvilende til hans evne til å oppleve en ny kjærlighetshistorie. Å stikke tungen ut kan også være et uttrykk for frihet eller opprør, en måte å avvise konvensjoner eller forventninger til romantiske stereotypier.

2’25’’: Lysene dimmes og Brian May avslører hva han har i kassen sin: en gitar formet som et hodeskalle. Gitaristen ser ut til å få instrumentet til å sørge, som om han deler skepsisen til figurene som stikker tungen ut. Deretter løfter han gitaren i en triumferende gest, som om han vil bekrefte det nederlaget han representerer.

2’47’’: Som en del av den pessimistiske vendingen, tråkker en kvinne på Freddie Mercurys venstre fot mens han forsøker å gå opp trappene. Denne kvinnen var faktisk en tidligere partner av Mercury, noe som bringer sangen enda nærmere hans faktiske opplevelser.

3’08’’: Overfor artistens glødende og urokkelige vilje til å reise seg og finne kjærligheten på nytt, gir Brian May opp og ser ut til å ønske å legge fra seg gitaren som symboliserte fiasko og oppgivelse.

3’25’’: Kulminasjonen kommer med enorm kraft. Knyttede never som en kriger, og med absolutt overbevisning, erklærer Freddie Mercury at han alltid vil leve for morgendagen.

3’28’’: Han klemmer nevene sammen, som om han samler eller sender ut en usynlig energi, og innser plutselig, mens han reflekterer over fortiden, at alt han har gjort, var drevet av kjærlighet. Det er en åpenbaring for ham. Han ser på oss med en overlegen sannhet og ærlighet. Hans sjel er åpenbar.

3’32’’: Et stort smil lyser opp ansiktet hans idet han gjentar at ja, alt han gjorde, var for kjærligheten. All nostalgi er borte fra tankene hans. Hendene hans frigjøres til slutt fordi han har funnet veien ut av smerten.

3’36’’: Han kaster blikket langt av gårde, lenger enn noen mann kunne se, nå fylt av den transcenderende inspirasjonen han nettopp har fått. Hans undersåtter bøyer seg, med ryggen mot ham, men ser i samme retning som ham. Hans viljestyrke har seiret over alt annet.

"It’s A Hard Life" transcenderer den personlige erfaringen for å berøre mer universelle sannheter om kjærlighet, tap, livet og søken etter mening. Selv om den er mørk og melankolsk, ender sangen på en bemerkelsesverdig optimistisk note. Enhver som nettopp har gjennomgått et smertefullt brudd, bør finne trøst i å lytte til sangen. Selv om man uunngåelig har gjort feil i løpet av den avsluttede kjærlighetshistorien, er det eneste som betyr noe å minne seg selv på at alt ble gjort i kjærlighetens navn. Utfallet av forholdet blir uviktig når man vet at det var kjærligheten som ledet veien. Det er denne tanken som lindrer sår og helbreder, ikke det passive håpet om en ny begynnelse.

2. I Was Born to Love You

"I Was Born to Love You" er en banebrytende tittel som klarer å formidle kjærlighetens ubegrensede kraft, selv med tilsynelatende lette tekster og en rask tempo som gir den en oppmuntrende og livlig energi.

Freddie Mercury, kjent for sin vokale fleksibilitet og kunstneriske dristighet, fornyer seg selv og viser at i komponering transcenderer uttrykket for kjærlighet sjangerbegrensninger. Med denne låten demonstrerer han på en strålende måte sin evne til å omdanne rå følelser til et kunstverk.

Rytmen kjennetegnes av en jevn pulsasjon, typisk for 80-tallets pop- og dansemusikk. Akkordprogresjonen følger tradisjonelle popmønstre, med bruk av durakkorder som gir låten dens lyse og optimistiske preg. Overgangene mellom akkordene er glatte, noe som bidrar til låtens euforiske følelse.

Synth-teppene gir en rik tekstur og skaper et overdådig lydbilde som resten av musikken bygges på. Gitaren, selv om den er mindre fremtredende enn i noen av Queens andre verk, spiller fortsatt en nøkkelrolle i låtens tekstur, med riff og soloer som legger dybde til komposisjonen. Den melodiske linjen er fengslende og minneverdig, med strategisk plasserte stigninger og fall, samt pauser som fremhever Mercurys stemmekraft og samtidig fanger kjærlighetens følelse.

Styrken i "I Was Born to Love You" ligger i dens evne til å vekke ren glede og en uforbeholden kjærlighetserklæring. Kjærlighet handler også om dette: i enhver vakker historie finnes det en velsignet periode, en rus, en følelse av å sveve, hvor man føler seg helt løftet og oppfylt av følelsene som overvelder en... Verden er vår!

I musikkvideoen er det enkelt: Freddie Mercury er magisk! Hans helhvite antrekk symboliserer kjærlighetens renhet når den er lidenskapelig. Gjennom sin gestikk og ansiktsuttrykk klarer sangeren å fange og gjenspeile rusen man føler når man er dypt forelsket. Lytt til denne låten hvis du er heldig nok til å være i denne situasjonen akkurat nå, du vil bli inspirert!

Når det gjelder tekstene, blir kjærlighetens ubegrensede kraft formidlet gjennom gjentakelsen av ordene "jeg er født for å elske deg" gjennom hele låten. Denne insisteringen, gjennom hele stykket, blir besettende og skaper en emosjonell gjenklang. Hva kan være sterkere enn å føle at hvis man kom til jorden, var det utelukkende for å elske den andre?

Det følgende verset er også opphissende, ekstremt kraftfullt, og gir en intens følelse av løftelse: "Du er den utvalgte. Jeg er mannen laget for deg. Du ble laget for meg. Du er min ekstase. Hvis jeg fikk sjansen, ville jeg drepe for din kjærlighet."

Sangerens kjærlighetserklæring er klar, direkte, ren. Kjærligheten føles dermed evig. I dette lidenskapelige øyeblikket er det umulig å forestille seg at historien en dag kan ende.

Mercury klarer perfekt å gjengi det man føler når man spesielt har opplevd kjærlighet ved første blikk. For å utforske alle mysteriene med kjærlighet ved første blikk, inviterer vi deg til å oppdage den komplette artikkelen vi har dedikert til dette fascinerende emnet.

3. Love of My Life

"Love of My Life" er en ikonisk kjærlighetssang som Freddie Mercury skrev etter at han ble forlatt av Mary Austin på grunn av sin biseksualitet. For sangeren var Mary Austin den store kjærligheten, livets kjærlighet. De to elsket hverandre helt til artistens død i 1991.

Denne balladen er ofte ansett som ett av Mercurys mest bevegende verker og utmerker seg med sin lyriske dybde, ømhet og nærhet.

På konserter er komposisjonen kun akkompagnert av en akustisk gitar. En gitar, en stemme, ikke mer. Og magien oppstår. Enkeltheten ved et beroliget kjærlighetsbrudd, i en melankolsk og ettertenksom atmosfære.

Mercurys vokalprestasjon er imponerende i sin evne til å formidle et bredt spekter av følelser, fra forsiktige hvisk til lidenskapelige høydepunkter. Hans stemme fører oss gjennom nyansene i hvert eneste ord.

Et markant øyeblikk i sangen er gitarsoloen, fremført av Brian May med en uttrykksfull stil som reflekterer sangens følelsesmessige slagkraft. Denne soloen fungerer som en musikalsk bro, og tilbyr et øyeblikk av refleksjon og introspeksjon midt i følelsesladede tekster.

Tekstene til "Love of My Life" omhandler tapt kjærlighet og smerten ved separasjon. Sangen henvender seg direkte til den elskede, og uttrykker både en følelse av anger for tapet og et inderlig håp om gjenforening. Ordens enkelhet står i kontrast til budskapets emosjonelle intensitet, noe som gjør tekstene tilgjengelige og dypt berørende. Mercury bruker poetiske bilder og et ærlig språk for å fange kjærlighetsfølelsenes kompleksitet med autentisitet og nåde, og svinger mellom nostalgi, smerte og ubetinget kjærlighet.

4. Nevermore

En sang på kun 83 sekunder som er en ode, et dikt, et sant mesterverk av ømhet, selv om den omhandler temaet kjærlighetssorg.

"Nevermore" sentrerer rundt pianoet, spilt av Freddie Mercury, som gir et rikt lydbilde for vokalen. Arrangementet er forenklet for å la den vokale melodien komme til sin rett.

Sangen bruker en akkordprogresjon som skaper en følelse av bevegelse gjennom et landskap ødelagt av tapet av en elsket. Melodien er fengende og direkte, med uttrykksfulle hopp. Akkordskiftene forsterker følelsen av usikkerhet og lengsel som uttrykkes i tekstene.

Stykket inkluderer også komplekse vokalharmonier, karakteristisk for Queens stil, og tilfører dybde og en anelse av majestet til stykket til tross for dets korthet.

"Nevermore" spiller på dynamikk, og veksler mellom øyeblikk av intim mykhet og utbrudd av sterkere følelser.

Tekstene berører tap, anger og ensomhet etter et brudd. Teksten er følelsesladet, og uttrykker et dypt ønske om å returnere til en lykkelig fortid og en forsoning med den elskede. Gjentagelsen av ordet "nevermore" underbygger en følelse av uopprettelighet og finalitet, og kaller på Edgar Allan Poes poesi i "The Raven" for sin dramatiske virkning og melankolske stemning.

Tekstene er lyrisk og billedrike, bruker metaforer for å forsterke den emosjonelle virkningen av bruddet, som blir til en faktisk fordømmelse: "Mitt liv er nå uten mening. Havene har tørket inn, og regnet faller ikke lenger. (...) Døm meg ikke til veien av nevermore. Selv i dalene nedenfor, hvor solen en gang strålte med varme og ømhet, kan ingenting lenger vokse. (...) Hvorfor forlot du meg? Hvorfor bedrog du meg? Da du sa du ikke elsket meg lenger, plasserte du meg på stien til nevermore."

5. Love Me Like There's No Tomorrow

Du bør ha tårer i øynene når du ser musikkvideoen til "Love Me Like There’s No Tomorrow"!

Denne sangen, som utmerker seg med sin følsomhet og ømhet, baserer seg på en relativt enkel instrumentering, dominert av piano og supplert med synthesizere, bass og diskret trommespill. Dette rene arrangementet fremhever Mercurys stemme, og lar følelsene formidlet av teksten komme i forgrunnen.

Melodien er myk og melankolsk, med uttrykksfulle vokallinjer. Denne tilnærmingen forsterker den emosjonelle intensiteten i sangerens bønn, og fremhever presset og dybden i hans kjærlighetsappell.

Tekstene tar for seg temaet kjærlighet i møte med nær forestående separasjon eller slutt, inkludert når man står overfor sorg. Artisten ber den elskede om å fullt ut nyte deres kjærlighet, som om hver dag var den siste. Denne følelsesladete forespørselen understreker umiddelbarheten og dybden av hans følelser, og inviterer til en ubetinget forbindelse og intimitet.

Tittelen reflekterer en sårbarhet og oppriktighet, og illustrerer ønsket om å verne om øyeblikkene tilbrakt med den elskede, til tross for bevisstheten om forgjengelighet. Gjentakelsen av uttrykket "elsk meg som om det ikke finnes noen morgendag" fungerer som et gjennomgående tema gjennom hele stykket, og forsterker budskapet om ubetinget kjærlighet.

6. Love Kills

I "Love Kills" utforsker Freddie Mercury et annet aspekt ved kjærligheten: hvordan den kan tære på oss, dominere oss, manipulere oss, eie oss og såre oss. For ja, noen ganger kan kjærligheten leke med oss som om vi var bare enkle marionetter.

Tekstene dykker ned i temaet om smerten kjærligheten forårsaker og presenterer et ganske dystert syn, i motsetning til den ofte romantiske idealiseringen i kjærlighetssanger. Kjærligheten skildres som en destruktiv kraft som kan lede til tap og desperasjon.

Sangen fremhever elementer typiske for 80-tallets musikk, med en fremtredende bruk av synthesizere. Produksjonen er tett, og skaper en elektronisk bakgrunn der Mercury sin stemme kan løfte seg. Trommemaskiner gir en rik tekstur til sangen, mens den vedvarende takten gir den en drivende energi.

Melodien er fengende, med et spesielt iøynefallende refreng som viser Mercurys evne til å skape kraftige hooker. Den vokale linjen veksler mellom ømhet og styrke, og illustrerer den emosjonelle dynamikken mellom kjærlighet og smerte.

Musikkvideoen, som nylig ble utgitt, er gjennomtenkt, intelligent og hypnotiserende, og passer perfekt med sangens presserende og inntrengende karakter. Vi anbefaler deg å se videoen flere ganger for å gjøre dine egne oppdagelser. Likevel, her er en genial detalj fra Queen: for å komplementere teksten "kjærlighet dreper og gjennomborer hjertet ditt", blir lydeffekter som minner om en drill subtilt integrert i musikken, mens sentrum av bildet, som representerer midten av en vinyl, symboliserer hullet kjærligheten kan lage i våre hjerter.

7. You Take My Breath Away

"You Take My Breath Away" er en ballade som utmerker seg med sin musikalske kompleksitet og emosjonelle dybde. Det er et verk av betagende skjønnhet, som vitner om Freddie Mercurys ekstraordinære talent som komponist og utøver. Tekstene, i kombinasjon med den musikalske rikdommen, tilbyr en intim utforskning av kjærligheten og dens effekter.

Uttrykket "du tar pusten fra meg" brukes for å beskrive den blendende og nesten kvelende effekten av kjærlighet. Denne kraftfulle metaforen illustrerer intensiteten av følelsene som oppleves, svingende mellom beundring og en form for sårbarhet.

For en enkel piano-vokal, er den harmoniske strukturen utrolig rik, og akkordprogresjonen er sjelden oppfinnsom. Tittelen utforsker en rekke musikalske teksturer, fra pianoets mykhet til tettere og harmonisk mer komplekse øyeblikk.

Freddie Mercurys vokalprestasjon i denne sangen demonstrerer en eksepsjonell mestring, med evnen til øyeblikkelig å skifte tempo og modulere stemmen fra kraftig til den mest ømme mykhet uten synlig overgang. Denne unike evnen til å navigere mellom vokale ekstremer med slik flyt og presisjon blir ofte nevnt av eksperter som en prestasjon sjelden observert hos andre artister. Med sine mange modulasjoner og tekniske kompleksitet, anses stykket som praktisk talt umulig å fremføre, noe som bekrefter Mercurys enestående talent. Sangerens ferdighet til å uttrykke et så bredt spekter av følelser samtidig som han opprettholder en upåklagelig vokalkvalitet gjør "You Take My Breath Away" ikke bare til en demonstrasjon av hans kunstneriske geni, men også til et uforlignelig mesterverk i musikkens verden.

8. In Only Seven Days

Med "In Only Seven Days" utforsker Freddie Mercury en annen stil: den naive, nesten ungdommelige kjærligheten.

Melodiene minner om en barnesang og tar for seg feriekjærligheten, et ømt møte over en sommer, hvor man lover å møtes igjen.

Sangen bygger på en hovedsakelig akustisk instrumentering, med piano, gitar, diskret bass og lett trommespill. Denne instrumentale enkelheten skaper en varm og intim atmosfære som passer perfekt med sangens narrative tema.

I motsetning til mange av Mercurys andre verk, som ofte kjennetegnes av deres rockenergi eller operatiske eksperimenter, skiller dette sporet seg ut med sin mykere og mer introspektive tone. Det forteller historien om en kortvarig ferieromanse, presset sammen i løpet av bare en uke. Med sin direkte narrative tilnærming skaper den lineære og detaljerte fortellingen om hver dag i denne flørteuken en kort historie som utmerker seg med sin klarhet, og understreker sødmen og melankolien ved en feriekjærlighet som er dømt til å ende.

Freddie Mercurys repertoar er en uuttømmelig kilde til intelligens og sensitivitet. Ingen andre har klart å uttrykke kjærlighet med samme mesterlige dybde som ham.

Selvfølgelig kunne vi nevnt andre titler som "Somebody to Love", "Crazy Little Thing Called Love", "Too Much Love Will Kill You", "One Year of Love", "Funny How Love Is", "Seaside Rendezvous", eller "Las Palabras De Amor". Men vi lar det være opp til deg å utforske disse melodiene for å selv oppdage de skjulte skattene Mercury har sådd gjennom livet sitt, og som han har gitt oss i arv.

Unikheten og intensiteten Freddie Mercury brukte for å utforske kjærlighetstemaer står i en klasse for seg. Men, om du leter etter forskjellige nyanser, inviterer vi deg til å utforske vårt utvalg av de fem vakreste franske kjærlighetssangene.